Imaginations Issue 3-1 | Stealing the Image
Table of Contents | Table des matières

Issue Editor Daniel Laforest

Guest Artist

portfolio interview | dialogue | Tanya Ury

Dossier: Stealing the Image

Introduction: Stealing the Image| Daniel Laforest

Relationships of Ownership: Art and Theft in Bob Dylan’s 1960s Trilogy | Michael Rodgers

Portraits d’un imaginaire de l’avant-garde : le Carré noir sur fond blanc de Kazimir Malevitch et ses réincarnations artistiques | Geneviève Cloutier

In Possession of a Stolen Weapon: From John Gay’s Macheath to Rubén Blades’ Pedro Navaja | Antonio Viselli

Stealing or Steeling the Image? The failed branding of the Guerrillero Heroico image of Che Guevara | Maria-Carolina Cambre

General Contributions

Trauma Narratives, Mixed Media, and the Meditation on the Invisible | Christof Decker

Perceptions of Jewish Female Bodies through Gustav Klimt and Peter Altenberg | Susanne Kelley

Review Essay

(E)merging Discourses: Architecture and Cultural Studies | Sarah McGaughey

Full Issue PDF |

Article Abstracts

Stealing or Steeling the Image? The failed branding of the Guerrillero Heroico image of Che Guevara | Carolina Cambre

This article traces the ongoing tension between those who would characterize Alberto Korda’s famous image of Che Guevara, The Guerrillero Heroico, as a brand, trademark or logo, and those who insist it is a political/cultural icon and non-commercial and that these categories are mutually exclusive.  The question of whether the image has been emptied of political content, and the debate around the copyrighting of an image considered by many to be in the public domain and a cultural icon are explored. The long-lasting struggle over the meanings and collective memories associated with this image indicate the possibility that both processes of commodification and radicalization of the image of Che Guevara can coexist. Using the literature on consumer research to engage definitions of branding as a commercially geared venture, this article teases out the problematics of different uses of the photograph and its derivatives, and highlights ambiguities around the notions of creation and authorship. After examining this image’s role within Cuba, Cuban use outside of Cuba, and its commercial and non-commercial uses by non-Cubans, I conclude that attempts at branding products with this particular image fail, and therefore its copyrighting is irrelevant.

Portraits d’un imaginaire de l’avant-garde : le Carré noir sur fond blanc de Kazimir Malevitch et ses réincarnations artistiques | Geneviève Cloutier

Kazimir Malevitch’s “Black Square” (1915) is one of the most recycled paintings in recent art history. More or less successfully, respectfully or ironically, artists from all around have gleefully reproduced it, ridiculed it, embezzled it and recycled it. In Russia, such has been the gravity of this phenomenon for the last thirty years, so that, it led to contemporary Russian art not being perceived as derived from Malevitch but on Malevitch. By retracing the long and tumultuous history of “Black Square” and its numerous artistic ‘reincarnations,’ this essay focuses on what these practices of reproduction tell us about the attitude of artists towards “Black Square” itself but also, perhaps mainly, about their relationship to an avant-garde with a controversial heritage of which this painting became the icon.

Trauma Narratives, Mixed Media, and the Meditation on the Invisible | Christof Decker

This essay examines the relationship between the history of trauma narratives and the development of media representations. Starting in the late 19th century, modernist cultures were increasingly forced to represent and reflect upon the traumatic experience of destruction and war. In this process of reflection, the ‘invisibility’ or unrepresentability of traumatic incidents became a recurring theme. Taking up W.J.T. Mitchell’s suggestion that all media are “mixed media,” I argue that the technological, semiotic, and narrative hybridity of mixed media has a special relationship to this theme. More specifically, I want to show that the explicit or overt presentation of mixed media has historically been invoked as a trope of reflexivity and a way of expressing the difficulties of representing traumatic experience. I will begin my investigation with literary and visual examples from American modernism and conclude with more recent instances of mixed media hybrids combining analogue and digital media.

Perceptions of Jewish female bodies through Gustav Klimt and Peter Altenberg | Susanne Kelley

Gustav Klimt and Peter Altenberg are two figures within Viennese fin-de-siècle cultural production whose art may reveal a perception of local Jewish culture through their different foci on the non-European female body image. Both men have moments in their career, when their attention turns to non-European cultures, through which they inadvertently represent and interpret their own. A selection of these two artists’ most well-known works demonstrate two frameworks in which Viennese Jewishness can be read through an alignment of the female body with Asian and African cultures.

(E)merging Discourses: Architecture and Cultural Studies | Sarah McGaughey

Three recent works, Rosalind Galt’s Pretty, Anne Cheng’s Second Skin, and Daniel Purdy’s On the Ruins of Babel incorporate architectural history and architectural discourse into their analyses in ways that are new to their respective fields ranging from studies of film, gender, and race to intellectual history. Placing these three works in one essay allows for a detailed review of the ways in which each author employs architecture, at the same time as it reveals the benefits and challenges of incorporating architecture into cultural studies. The essay discusses the contributions of each work to their fields and also takes advantage of the different approaches to culture and architecture to explore the ways in which this relationship might continue to inform and generate productive studies.

Relationships of Ownership: Art and Theft in Bob Dylan’s 1960s’ Trilogy | Michael Rodgers

Bob Dylan’s corpus is one continually engaged with appropriation and pilfering. This paper will look, predominantly, at three songs from his 1960s’ trilogy – ‘She Belongs To Me’ from Bringing It All Back Home (1965), ‘Visions of Johanna’ from Blonde on Blonde (1966), and ‘Desolation Row’ from Highway 61 Revisited (1965) – arguing that, in these songs, Dylan problematizes the interrelationship between art, theft, and ownership. I argue that, similar to the urban artist Banksy, Dylan challenges, toys with, and appropriates cultural images in order to continually question the concept of proprietorship whilst rescuing cultural images from esoterica and attempting to put them back into the public domain.

In Possession of a Stolen Weapon: From John Gay’s Macheath to Rubén Blades’ Pedro Navaja  | Antonio Viselli

This article analyses the cult salsa song “Pedro Navaja” by Panamanian artist Rubén Blades and the relevance of narrating such a genre peculiar to dancing, an analysis in accordance with adaptation theory outlined by Linda Hutcheon, and a Brechtian semiotic methodology which combines Gestus with theories of the sign. “Pedro Navaja” is arguably a re-writing of “Mack the Knife” – or Die Moritat von Mackie Messer – one which contains, as a sort of mise-en-abyme, elements not only of Kurt Weill’s song, but of both John Gay’s The Beggar’s Opera and Bertolt Brecht’s The Threepenny Opera. This study focuses on the fertile adaptation history of the highwayman Macheath since Gay’s work, on close-readings of “Pedro Navaja” – a narrativized cerebral salsa song – and on the ethics of adapting a character, story or genre. Finally, when the character Pedro Navaja is adapted from Blades’ song by a cineaste and playwright, Blades, furious with what others have done with ‘his’ character, decides to resuscitate his eponymous hero killed off at the end of the original song in order to regain the authority of his creation. From theoretical questions including how to read an adaptation or what constitutes an adaptation, this article focuses on the diachronic recurrences of a specific character-type, on the significance of juxtaposing particular historical junctures and on the violence of adaptation and authorship.

About the Contributors

Guest Artist

TANYA URY (* 1951 in London) is a British – German artist and writer. Ury studied fine art at Exeter College of Art and Design from 1985 to 1988 and in 1989 1 semester at the Institute for Theatre, Film and Television Studies, Cologne University (D). In 1990 she graduated in Master of Fine Arts at Reading University. From 1991 to 1992 she was a guest lecturer at Sheffield Hallam University, with the Colin Walker Fellowship in Fine Art and from 2010 a PhD. in Humanities candidate, with Prof. Ernst J. van Alphen, Faculty of the Humanities, Leiden University Institute for Cultural Disciplines (LUICD) (NL). She has been living and working in Cologne, Germany, since 1993. Most of her family lived here before having to flee into exile to London because of their Jewish origins. As a writer, activist, and in her photography, installations, performance and video art Tanya Ury deals with questions of Judeo-German identity, the handling of German society with its history, the role of subaltern women against the background of migration and racism. Prostitution, voyeurism and the Holocaust are issues in a large number of her works.


CAROLINA CAMBRE received her doctorate from the Policy Studies in the Education department at the University of Alberta. Her dissertation research was titled The Politics of the Face: Manifestations of Che Guevara’s Image and its Renderings, Progeny, and Agency. Currently she is teaching courses in Mass Media and Advertising for the University of Western Ontario’s Sociology department.

GENEVIÈVE CLOUTIER obtained her PhD in Comparative Literature and Slavic Studies with a dissertation on the ‘dread of history’ in the Russian avant-garde. Currently, she is a post-doctoral fellow at the Figura Research Center of the Université du Québec à Montreal focusing on the re-emergence of the avant-garde in contemporary culture.

CHRISTOPH DECKER is associate professor of American and media studies at the University of Munich/Ludwig-Maximilians-Universität München. He received a Ph.D. from the Free University Berlin in 1994 and was Honorary Fellow at the University of Wisconsin-Madison. He is teaching in the Department of English and American Studies and has published widely on documentary and Hollywood cinema, avant-garde film, and the history of mass media. Most recently he edited Visuelle Kulturen der USA/Visual Cultures of the USA (2010) to which he contributed a chapter on American film.

SUSANNE KELLEY is Assistant Professor of German at Kennesaw State University. She holds a PhD from the University of California, Los Angeles. She has published on the role of Vienna 1900 in contemporary Vienna’s self-marketing strategies as well as on the travel motif in post-Wende German literature. Her current research focus is modernism and Viennese culture, fin-de-siècle and the visual arts, tourism and travel literature, and orientalism in literature and visual arts.

SARAH MCGAUGHEY is assistant professor of German at Dickinson College in Carlisle, Pennsylvania. She is completing a manuscript tentatively titled Ornament as Crisis: Architecture, Design, and Modernity in Hermann Broch’s Die Schlafwandler. Her research focus is on spatial theory and architectural theory as it intersects with literature. She has published articles on topics ranging from fashion and furniture to the concept of style and architecture in Broch’s early works. Her next project is on architectural interiors of Modernism. Sarah McGaughey is a member of the board of directors of the international association of scholars working on Hermann Broch (IAB) and of the editorial advisory board of Imaginations: Journal of Cross-Cultural Image Studies.

MICHAEL RODGERS is in the final stages of his PhD undertaking a Nietzschean analysis of Vladimir Nabokov’s writings. He works as a Graduate Teaching Assistant at the University of Strathclyde and is currently editing a volume on ‘Nabokov and Morality’ derived from a conference that he organized last year. His article ‘Lolita’s Nietzschean Morality’ was published in Philosophy and Literature in 2011 and he has another forthcoming on the topic of Nabokov’s posthumous novel The Original of Laura. He is a contributor to The Literary Encyclopedia, the Slavonic and East European Review and the Nabokov Online Journal.

ANTONIO VISELLI is a doctoral candidate at the Centre for Comparative Literature at the University of Toronto. His primary area of interest focuses on musical aesthetics in literature, namely the “fugue” in French Symbolism and European Modernism. Antonio completed a Masters in Europe entitled “Master Mundus: Crossways in European Humanities,” with degrees from the University of Perpignan (France), Bergamo (Italy) and St. Andrews (Scotland).

Résumés des articles

Stealing or Steeling the Image? The failed branding of the Guerrillero Heroico image of Che Guevara | Carolina Cambre

Cet article suit la trace historique d’une tension persistante autour de la photo célèbre de Che Guevara intitulée « Guerrillero Heroico » et prise par Alberto Korda. Cette tension prend place entre ceux qui la caractérisent comme une marque déposée ou un logo et ceux qui insistent sur sa valeur de symbole politique et culturel non-commercial. Ces catégories s’excluent mutuellement. Sont examinés la lutte pour les droits de propriété intellectuelle de cette image que beaucoup considèrent comme un symbole culturel du domaine public, ainsi que la possibilité que cette image ait perdu sa valeur politique. La persistance de ce débat sur les significations et les formes de mémoires collectives qu’on y associe indiquent la possibilité que le processus de marchandisation peut coexister avec celui de radicalisation en ce qui la concerne. Cet article fait ressortir le problème de la variété des emplois d’une image et de ses dérivés, en même temps qu’il souligne les ambiguïtés autour des concepts de création et de paternité en utilisant des études sur la consommation. Ayant évalué le rôle de cette image à l’intérieur des frontières de Cuba, son emploi par les cubains à l’extérieur du pays, ainsi que ses emplois commercial et non-commercial par les autres, je conclus que la commercialisation de cette image est vouée à l’échec et qu’il est inutile de rechercher les droits de propriété intellectuelle.

Portraits d’un imaginaire de l’avant-garde : le Carré noir sur fond blanc de Kazimir Malevitch et ses réincarnations artistiques | Geneviève Cloutier

Le Carré noir sur fond blanc de Kazimir Malevitch (1915) est l’un des tableaux les plus « récupérés » dans l’histoire récente de l’art. Avec plus ou moins de bonheur selon les cas, avec respect ou ironie, les artistes de divers horizons l’ont allègrement copié, parodié, détourné, recyclé. En Russie, l’ampleur du phénomène est telle depuis les quelque trente dernières années que, de l’art contemporain russe, on a pu dire qu’il était non pas un art après Malevitch, mais un art sur Malevitch. Dans cet article, qui prend la forme d’un parcours à travers la longue et tumultueuse histoire du Carré noir et de ses multiples « réincarnations » artistiques, je m’intéresse à ce que ces pratiques de récupération viennent nous dire sur l’attitude des artistes à l’égard du Carré noir lui-même, mais aussi, et peut-être surtout, sur leur relation avec une avant-garde à l’héritage controversé dont ce tableau est devenu l’icône.

Trauma Narratives, Mixed Media, and the Meditation on the Invisible | Christof Decker

Cet article examine le rapport entre l’histoire du récit de l’expérience traumatique et le développement des représentations médiatiques. À partir de la fin du 19eme siècle, les cultures de la modernité ont été forcées de représenter l’expérience traumatique de la destruction et de la guerre, puis d’y réfléchir. À travers cette réflexion, l’invisibilité ou le non-représentabilité des incidents traumatiques est devenu un thème récurrent dont je suggère ici le rapport particulier à l’hybridité sémiotique et celle narrative du suivant la suggestion de W.J.T. Mitchell que tous les médias sont multimédiatiques. Plus précisément, je veux démontrer que, traditionnellement, on a invoqué la présentation explicite ou ouvertement multimédiatique comme un trope de réflexivité et comme une façon d’exprimer les difficultés qu’on rencontre en essayant de représenter l’expérience traumatique. Je commence mon étude avec des exemples du modernisme américain pour en arriver à des exemples plus récents de l’hybridité multimédiatique en combinant les médias analogues et numériques.

Perceptions of Jewish female bodies through Gustav Klimt and Peter Altenberg | Susanne Kelley

Gustav Klimt et Peter Altenberg sont deux personnalités viennoises de la culture fin-de-siècle dont l’art peut offrir des indices quant à la perception de la culture juive à travers leur représentation du corps de la femme non-européenne. Tous deux ont réussi involontairement à représenter et à interpréter leur propre culture en se concentrant sur des cultures non-européennes à certains moments de leur carrière. Cette sélection des plus célèbres œuvres de ces deux artistes fournit deux modèles d’interprétation de la judéité viennoise à travers la représentation de corps de femmes asiatiques et africaines.

(E)merging Discourses: Architecture and Cultural Studies | Sarah McGaughey

Trois œuvres récentes : « Petty » par Rosalind Galt, « Second Skin » par Anne Cheng, et « On the Ruins of Babel » par Daniel Purdy intègrent l’histoire architecturale et le discours architectural d’une façon innovatrice à des domaines qui vont des études filmiques aux études sur les genres, aux études raciales à l’histoire des idées. Regrouper les trois œuvres dans un article, permet d’examiner la manière selon laquelle chaque auteur emploie l’architecture, ainsi que de faire ressortir les avantages et les défis d’incorporer l’architecture dans le domaine des études culturelles. Cet article évalue les contributions de chaque œuvre à son domaine respectif, mais il profite aussi de la variété d’approches de la culture et de l’architecture pour explorer la possibilité que ces rapports interdisciplinaires puissent continuer à ouvrir la voie à des formes de recherches novatrices.

Relationships of Ownership: Art and Theft in Bob Dylan’s 1960s’ Trilogy | Michael Rodgers

L’œuvre de Bob Dylan continue être sujet à l’appropriation et au pillage. Cet article évalue, principalement, trois chansons qui font partie de la trilogie d’albums parue pendant les années 60 – She Belongs To Me de l’album Bringing It All Back Home (1965), Visions of Johanna de Blonde on Blonde (1966), et Desolation Row de Highway 61 Revisited (1965). Je cherche soutenir qu’à travers ces chansons Dylan propose des nouveaux problèmes quant à l’interrelation entre l’art, le vol et la propriété. Mon argument est que, à l’instar de l’artiste urbain Banksy, Dylan joue avec les images culturelles et se les appropries en même temps qu’il les met à l’épreuve afin de mettre en doute le concept de propriété. À travers ses œuvres, Dylan récupère ces images à partir de leur marginalité, pour les replacer dans un espace publique.

In Possession of a Stolen Weapon: From John Gay’s Macheath to Rubén Blades’ Pedro Navaja | Antonio Viselli

Cet article examine la chanson salsa culte « Pedro Navaja » de l’artiste panaméen Rubén Blades en regard de montrer l’importance de la narration à l’intérieur d’un genre particulier à la danse, et en utilisant la théorie de l’adaptation de Linda Hutcheon et la méthodologie sémiotique brechtienne combinant le Gestus avec les théories du signe. « Pedro Navaja » est une réécriture de la chanson « Mack the Knife » (« Die Moritat von Mackie Messer »); elle utilise les éléments de la chanson de Kurt Weill pour créer une sorte de mise en abyme. Elle contient aussi des éléments des chansons « The Beggar’s Opera » par John Gay et « The Threepenny Opera » par Bertolt Brecht. L’article évalue les nombreuses adaptations du bandit de grand chemin, Macheath, suivant son utilisation chez Gay, et examine l’éthique de l’adaptation d’un personnage, d’une histoire ou d’un genre, en même temps qu’il effectue une lecture détaillé de « Pedro Navaja » comme une chanson salsa intellectuelle et narrative. Au bout du compte Blades décide de ressusciter le protagoniste éponyme qu’il avait tué à la fin de la chanson originale lorsqu’il trouve exaspérant ce que les autres font de Pedro Navaja dans leurs adaptations. Il le fait pour reprendre les droits de propriété sur sa création. Cet article se concentre sur la réapparition diachronique d’un personnage type, sur la signification de la juxtaposition de conjonctures historiques spécifiques et sur la violence quant à l’adaptation et à la propriété en posant des questions théoriques, y compris celle de ce qui constitue une adaptation et la question des façons dont celle-ci doit être lue.

À propos des contributeurs

Artiste invitée

TANYA URY (* 1951 à Londres) est une artiste et écrivaine britanno-germanique. Elle a étudié les beaux-arts au Exeter College of Art and Design de 1985 à 1988, et a complété un semestre en 1989 à l’Institute for Theatre, Film and Television Studies de l’Université de Cologne. Elle a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l’University of Reading en 1990, puis a occupé un poste de maître de conférence invité à la Sheffield Hallam University de 1991 à 1992, grâce au Colin Walker Fellowship in Fine Arts. Depuis 2010, elle est candidate au doctorat en Humanities au Leiden University Institute for Cultural Disciplines, sous la supervision du professeur Ernst J. van Alphen. Tanya Ury vit à Cologne, en Allemagne, depuis 1993. La plupart des membres de sa famille ont vécu en ce lieu avant de devoir s’exiler à Londres en raison de leur origine juive. En tant qu’écrivaine et activiste, de même qu’avec ses photographies, ses installations, et ses performances sur vidéo, Tanya Ury se confronte aux questions de l’identité judéo-germanique, au traitement par l’Allemagne de son passé historique, au rôle subalterne joué par les femmes en regard de l’immigration et du racisme. La prostitution, le voyeurisme, et l’Holocauste sont également abordés dans un grand nombre de ses œuvres.


CAROLINA CAMBRE est titulaire d’un doctorat en en éducation, avec spécialisation en politiques de l’enseignement de l’Université d’Alberta avec une thèse intitulée « The Politics of the Face: Manifestations of Che Guevara’s Image and its Renderings, Progeny, and Agency ». Actuellement, elle enseigne des cours de médias et de publicité au département de sociologie de l’Université de Western Ontario.

GENEVIÈVE CLOUTIER Titulaire d’un doctorat en études slaves et littérature comparée et auteure d’une thèse sur la « terreur de l’histoire » dans l’avant-garde russe, Geneviève Cloutier est présentement stagiaire post-doctorale au centre de recherche Figura de l’UQAM, où elle s’intéresse aux résurgences de l’avant-garde dans la culture contemporaine.

CHRISTOF DECKER est professeur agrégé d’études américaines et médiatiques à l’Université de Munich (Ludwig – Maximilians – Universität München) où il enseigne dans le cadre du département d’études anglaises et américaines. Titulaire d’un doctorat de l’Université libre de Berlin (1994) et membre honorifique à l’Université du Wisconsin-Madison, il est auteur de nombreuses publications sur le cinéma documentaire, sur le cinéma hollywoodien, sur le film d’avant-garde, et sur l’histoire des médias de masse. Récemment, il a fait la contribution d’un chapitre sur le film américain dans le livre « Visuelle Kulturen der USA/Visual Cultures of the USA » (2010), qu’il a également édité.

SUSANNE KELLEY est maître de conférences en allemand à L’université Kennesaw State. Elle est titulaire d’un doctorat de l’Université de Californie Los Angeles. Ses publications se concentrent sur le rôle du Vienne des années 1900 dans les stratégies contemporaines d’autopromotion, ainsi que sur le thème du voyage dans la littérature allemande d’après la Réunifications. Actuellement elle mène des recherches sur modernisme dans la culture viennoise, les arts visuels de la fin de siècle, la littérature de tourisme et de voyage, ainsi que l’orientalisme dans la littérature et dans les arts visuels.

SARAH MCGAUGHEY est maître de conférences dans le Département d’allemand  à Dickinson College à Carlisle, en Pennsylvanie. Elle est en train de terminer un manuscrit ayant le titre provisoire de « Ornament as Crisis: Architecture, Design, and Modernity in Hermann Broch’s Die Schlafwandler ». Ses recherches se concentrent sur l’intersection entre la littérature, la théorie spatiale, et que la théorie architecturale. Ses publications vont de la mode et de l’ameublement au concept du style et à l’architecture dans les premières œuvres de Broch. Son prochain projet traite des intérieurs architecturaux dans le cadre du modernisme. Sarah McGaughey est membre du conseil d’administration de l’association internationale des spécialistes de Hermann Broch, ainsi que du comité scientifique d’Imaginations : revue d’études interculturelles de l’image.

MICHAEL RODGERS est sur le point d’obtenir son doctorat avec une analyse nietzschéenne des œuvres de Vladimir Nabokov. Il occupe un poste d’auxiliaire d’enseignement à l’Université de Strathclyde, où il édite actuellement un volume dérivé d’un colloque qu’il a organisé l’année passée et qui portait de « Nabokov et la moralité ». Il a publié un article intitulé Lolita’s Nietzschean Morality dans Philosophy and Literature en 2011, et il attend la publication d’un autre texte sur le livre posthume de Nabokov L’original de Laura. Il est contributeur à The Literary Encyclopedia, Slavonic and East European Review et au Nabokov Online Journal.

ANTONIO VISELLI est candidat au doctorat au Centre de la littérature comparée à l’Université de Toronto. Il s’intéresse principalement à l’esthétique musicale dans la littérature, en particulier à la fugue dans le cadre du symbolisme français et du modernisme européen. Son mémoire intitulée « Master Mundus: Crossways in European Humanities » est le résultat d’une diplôme conjointe de l’Université de Perpignan (France), celle de Bergamo (Italie) et celle de St. Andrews (Ecosse).