Imaginations Issue 3-1 | Stealing the Image
Table of Contents | Table des matières

Issue Edi­tor Daniel Lafor­est

Guest Artist

port­fo­lio inter­view | dia­logue | Tanya Ury

Dossier: Stealing the Image

Intro­duc­tion: Steal­ing the Image| Daniel Laforest

Rela­tion­ships of Own­er­ship: Art and Theft in Bob Dylan’s 1960s Tril­o­gy | Michael Rodgers

Por­traits d’un imag­i­naire de l’avant-garde : le Car­ré noir sur fond blanc de Kaz­imir Male­vitch et ses réin­car­na­tions artis­tiques | Geneviève Cloutier

In Pos­ses­sion of a Stolen Weapon: From John Gay’s Macheath to Rubén Blades’ Pedro Nava­ja | Anto­nio Viselli

Steal­ing or Steel­ing the Image? The failed brand­ing of the Guer­rillero Hero­ico image of Che Gue­vara | Maria-Car­oli­na Cambre

General Contributions

Trau­ma Nar­ra­tives, Mixed Media, and the Med­i­ta­tion on the Invis­i­ble | Christof Decker

Per­cep­tions of Jew­ish Female Bod­ies through Gus­tav Klimt and Peter Altenberg | Susanne Kelley

Review Essay

(E)merging Dis­cours­es: Archi­tec­ture and Cul­tur­al Stud­ies | Sarah McGaughey


Full Issue PDF | http://​dx​.doi​.org/10.17742/IMAGE.stealimage.3-1


Article Abstracts

Steal­ing or Steel­ing the Image? The failed brand­ing of the Guer­rillero Hero­ico image of Che Gue­vara | Car­oli­na Cambre

This arti­cle traces the ongo­ing ten­sion between those who would char­ac­ter­ize Alber­to Korda’s famous image of Che Gue­vara, The Guer­rillero Hero­ico, as a brand, trade­mark or logo, and those who insist it is a political/cultural icon and non-com­mer­cial and that these cat­e­gories are mutu­al­ly exclu­sive.  The ques­tion of whether the image has been emp­tied of polit­i­cal con­tent, and the debate around the copy­right­ing of an image con­sid­ered by many to be in the pub­lic domain and a cul­tur­al icon are explored. The long-last­ing strug­gle over the mean­ings and col­lec­tive mem­o­ries asso­ci­at­ed with this image indi­cate the pos­si­bil­i­ty that both process­es of com­mod­i­fi­ca­tion and rad­i­cal­iza­tion of the image of Che Gue­vara can coex­ist. Using the lit­er­a­ture on con­sumer research to engage def­i­n­i­tions of brand­ing as a com­mer­cial­ly geared ven­ture, this arti­cle teas­es out the prob­lem­at­ics of dif­fer­ent uses of the pho­to­graph and its deriv­a­tives, and high­lights ambi­gu­i­ties around the notions of cre­ation and author­ship. After exam­in­ing this image’s role with­in Cuba, Cuban use out­side of Cuba, and its com­mer­cial and non-com­mer­cial uses by non-Cubans, I con­clude that attempts at brand­ing prod­ucts with this par­tic­u­lar image fail, and there­fore its copy­right­ing is irrelevant.

Por­traits d’un imag­i­naire de l’avant-garde : le Car­ré noir sur fond blanc de Kaz­imir Male­vitch et ses réin­car­na­tions artis­tiques | Geneviève Cloutier

Kaz­imir Malevitch’s “Black Square” (1915) is one of the most recy­cled paint­ings in recent art his­to­ry. More or less suc­cess­ful­ly, respect­ful­ly or iron­i­cal­ly, artists from all around have glee­ful­ly repro­duced it, ridiculed it, embez­zled it and recy­cled it. In Rus­sia, such has been the grav­i­ty of this phe­nom­e­non for the last thir­ty years, so that, it led to con­tem­po­rary Russ­ian art not being per­ceived as derived from Male­vitch but on Male­vitch. By retrac­ing the long and tumul­tuous his­to­ry of “Black Square” and its numer­ous artis­tic ‘rein­car­na­tions,’ this essay focus­es on what these prac­tices of repro­duc­tion tell us about the atti­tude of artists towards “Black Square” itself but also, per­haps main­ly, about their rela­tion­ship to an avant-garde with a con­tro­ver­sial her­itage of which this paint­ing became the icon.

Trau­ma Nar­ra­tives, Mixed Media, and the Med­i­ta­tion on the Invis­i­ble | Christof Decker

This essay exam­ines the rela­tion­ship between the his­to­ry of trau­ma nar­ra­tives and the devel­op­ment of media rep­re­sen­ta­tions. Start­ing in the late 19th cen­tu­ry, mod­ernist cul­tures were increas­ing­ly forced to rep­re­sent and reflect upon the trau­mat­ic expe­ri­ence of destruc­tion and war. In this process of reflec­tion, the ‘invis­i­bil­i­ty’ or unrep­re­sentabil­i­ty of trau­mat­ic inci­dents became a recur­ring theme. Tak­ing up W.J.T. Mitchell’s sug­ges­tion that all media are “mixed media,” I argue that the tech­no­log­i­cal, semi­otic, and nar­ra­tive hybrid­i­ty of mixed media has a spe­cial rela­tion­ship to this theme. More specif­i­cal­ly, I want to show that the explic­it or overt pre­sen­ta­tion of mixed media has his­tor­i­cal­ly been invoked as a trope of reflex­iv­i­ty and a way of express­ing the dif­fi­cul­ties of rep­re­sent­ing trau­mat­ic expe­ri­ence. I will begin my inves­ti­ga­tion with lit­er­ary and visu­al exam­ples from Amer­i­can mod­ernism and con­clude with more recent instances of mixed media hybrids com­bin­ing ana­logue and dig­i­tal media.

Per­cep­tions of Jew­ish female bod­ies through Gus­tav Klimt and Peter Altenberg | Susanne Kelley

Gus­tav Klimt and Peter Altenberg are two fig­ures with­in Vien­nese fin-de-siè­cle cul­tur­al pro­duc­tion whose art may reveal a per­cep­tion of local Jew­ish cul­ture through their dif­fer­ent foci on the non-Euro­pean female body image. Both men have moments in their career, when their atten­tion turns to non-Euro­pean cul­tures, through which they inad­ver­tent­ly rep­re­sent and inter­pret their own. A selec­tion of these two artists’ most well-known works demon­strate two frame­works in which Vien­nese Jew­ish­ness can be read through an align­ment of the female body with Asian and African cultures.

(E)merging Dis­cours­es: Archi­tec­ture and Cul­tur­al Stud­ies | Sarah McGaughey

Three recent works, Ros­alind Galt’s Pret­ty, Anne Cheng’s Sec­ond Skin, and Daniel Purdy’s On the Ruins of Babel incor­po­rate archi­tec­tur­al his­to­ry and archi­tec­tur­al dis­course into their analy­ses in ways that are new to their respec­tive fields rang­ing from stud­ies of film, gen­der, and race to intel­lec­tu­al his­to­ry. Plac­ing these three works in one essay allows for a detailed review of the ways in which each author employs archi­tec­ture, at the same time as it reveals the ben­e­fits and chal­lenges of incor­po­rat­ing archi­tec­ture into cul­tur­al stud­ies. The essay dis­cuss­es the con­tri­bu­tions of each work to their fields and also takes advan­tage of the dif­fer­ent approach­es to cul­ture and archi­tec­ture to explore the ways in which this rela­tion­ship might con­tin­ue to inform and gen­er­ate pro­duc­tive studies.

Rela­tion­ships of Own­er­ship: Art and Theft in Bob Dylan’s 1960s’ Tril­o­gy | Michael Rodgers

Bob Dylan’s cor­pus is one con­tin­u­al­ly engaged with appro­pri­a­tion and pil­fer­ing. This paper will look, pre­dom­i­nant­ly, at three songs from his 1960s’ tril­o­gy – ‘She Belongs To Me’ from Bring­ing It All Back Home (1965), ‘Visions of Johan­na’ from Blonde on Blonde (1966), and ‘Des­o­la­tion Row’ from High­way 61 Revis­it­ed (1965) – argu­ing that, in these songs, Dylan prob­lema­tizes the inter­re­la­tion­ship between art, theft, and own­er­ship. I argue that, sim­i­lar to the urban artist Banksy, Dylan chal­lenges, toys with, and appro­pri­ates cul­tur­al images in order to con­tin­u­al­ly ques­tion the con­cept of pro­pri­etor­ship whilst res­cu­ing cul­tur­al images from eso­ter­i­ca and attempt­ing to put them back into the pub­lic domain.

In Pos­ses­sion of a Stolen Weapon: From John Gay’s Macheath to Rubén Blades’ Pedro Nava­ja  | Anto­nio Viselli

This arti­cle analy­ses the cult sal­sa song “Pedro Nava­ja” by Pana­man­ian artist Rubén Blades and the rel­e­vance of nar­rat­ing such a genre pecu­liar to danc­ing, an analy­sis in accor­dance with adap­ta­tion the­o­ry out­lined by Lin­da Hutcheon, and a Brecht­ian semi­otic method­ol­o­gy which com­bines Ges­tus with the­o­ries of the sign. “Pedro Nava­ja” is arguably a re-writ­ing of “Mack the Knife” – or Die Mori­tat von Mack­ie Mess­er – one which con­tains, as a sort of mise-en-abyme, ele­ments not only of Kurt Weill’s song, but of both John Gay’s The Beggar’s Opera and Bertolt Brecht’s The Three­pen­ny Opera. This study focus­es on the fer­tile adap­ta­tion his­to­ry of the high­way­man Macheath since Gay’s work, on close-read­ings of “Pedro Nava­ja” – a nar­ra­tivized cere­bral sal­sa song – and on the ethics of adapt­ing a char­ac­ter, sto­ry or genre. Final­ly, when the char­ac­ter Pedro Nava­ja is adapt­ed from Blades’ song by a cineaste and play­wright, Blades, furi­ous with what oth­ers have done with ‘his’ char­ac­ter, decides to resus­ci­tate his epony­mous hero killed off at the end of the orig­i­nal song in order to regain the author­i­ty of his cre­ation. From the­o­ret­i­cal ques­tions includ­ing how to read an adap­ta­tion or what con­sti­tutes an adap­ta­tion, this arti­cle focus­es on the diachron­ic recur­rences of a spe­cif­ic char­ac­ter-type, on the sig­nif­i­cance of jux­ta­pos­ing par­tic­u­lar his­tor­i­cal junc­tures and on the vio­lence of adap­ta­tion and authorship.

About the Contributors

Guest Artist

TANYA URY (* 1951 in Lon­don) is a British - Ger­man artist and writer. Ury stud­ied fine art at Exeter Col­lege of Art and Design from 1985 to 1988 and in 1989 1 semes­ter at the Insti­tute for The­atre, Film and Tele­vi­sion Stud­ies, Cologne Uni­ver­si­ty (D). In 1990 she grad­u­at­ed in Mas­ter of Fine Arts at Read­ing Uni­ver­si­ty. From 1991 to 1992 she was a guest lec­tur­er at Sheffield Hal­lam Uni­ver­si­ty, with the Col­in Walk­er Fel­low­ship in Fine Art and from 2010 a PhD. in Human­i­ties can­di­date, with Prof. Ernst J. van Alphen, Fac­ul­ty of the Human­i­ties, Lei­den Uni­ver­si­ty Insti­tute for Cul­tur­al Dis­ci­plines (LUICD) (NL). She has been liv­ing and work­ing in Cologne, Ger­many, since 1993. Most of her fam­i­ly lived here before hav­ing to flee into exile to Lon­don because of their Jew­ish ori­gins. As a writer, activist, and in her pho­tog­ra­phy, instal­la­tions, per­for­mance and video art Tanya Ury deals with ques­tions of Judeo-Ger­man iden­ti­ty, the han­dling of Ger­man soci­ety with its his­to­ry, the role of sub­al­tern women against the back­ground of migra­tion and racism. Pros­ti­tu­tion, voyeurism and the Holo­caust are issues in a large num­ber of her works. http://​tanyau​ry​.com

Authors

CAROLINA CAMBRE received her doc­tor­ate from the Pol­i­cy Stud­ies in the Edu­ca­tion depart­ment at the Uni­ver­si­ty of Alber­ta. Her dis­ser­ta­tion research was titled The Pol­i­tics of the Face: Man­i­fes­ta­tions of Che Guevara’s Image and its Ren­der­ings, Prog­e­ny, and Agency. Cur­rent­ly she is teach­ing cours­es in Mass Media and Adver­tis­ing for the Uni­ver­si­ty of West­ern Ontario’s Soci­ol­o­gy department.

GENEVIÈVE CLOUTIER obtained her PhD in Com­par­a­tive Lit­er­a­ture and Slav­ic Stud­ies with a dis­ser­ta­tion on the ‘dread of his­to­ry’ in the Russ­ian avant-garde. Cur­rent­ly, she is a post-doc­tor­al fel­low at the Figu­ra Research Cen­ter of the Uni­ver­sité du Québec à Mon­tre­al focus­ing on the re-emer­gence of the avant-garde in con­tem­po­rary culture.

CHRISTOPH DECKER is asso­ciate pro­fes­sor of Amer­i­can and media stud­ies at the Uni­ver­si­ty of Munich/Lud­wig-Max­i­m­il­ians-Uni­ver­sität München. He received a Ph.D. from the Free Uni­ver­si­ty Berlin in 1994 and was Hon­orary Fel­low at the Uni­ver­si­ty of Wis­con­sin-Madi­son. He is teach­ing in the Depart­ment of Eng­lish and Amer­i­can Stud­ies and has pub­lished wide­ly on doc­u­men­tary and Hol­ly­wood cin­e­ma, avant-garde film, and the his­to­ry of mass media. Most recent­ly he edit­ed Visuelle Kul­turen der USA/Visual Cul­tures of the USA (2010) to which he con­tributed a chap­ter on Amer­i­can film.

SUSANNE KELLEY is Assis­tant Pro­fes­sor of Ger­man at Ken­ne­saw State Uni­ver­si­ty. She holds a PhD from the Uni­ver­si­ty of Cal­i­for­nia, Los Ange­les. She has pub­lished on the role of Vien­na 1900 in con­tem­po­rary Vienna’s self-mar­ket­ing strate­gies as well as on the trav­el motif in post-Wende Ger­man lit­er­a­ture. Her cur­rent research focus is mod­ernism and Vien­nese cul­ture, fin-de-siè­cle and the visu­al arts, tourism and trav­el lit­er­a­ture, and ori­en­tal­ism in lit­er­a­ture and visu­al arts.

SARAH MCGAUGHEY is assis­tant pro­fes­sor of Ger­man at Dick­in­son Col­lege in Carlisle, Penn­syl­va­nia. She is com­plet­ing a man­u­script ten­ta­tive­ly titled Orna­ment as Cri­sis: Archi­tec­ture, Design, and Moder­ni­ty in Her­mann Broch's Die Schlafwan­dler. Her research focus is on spa­tial the­o­ry and archi­tec­tur­al the­o­ry as it inter­sects with lit­er­a­ture. She has pub­lished arti­cles on top­ics rang­ing from fash­ion and fur­ni­ture to the con­cept of style and archi­tec­ture in Broch's ear­ly works. Her next project is on archi­tec­tur­al inte­ri­ors of Mod­ernism. Sarah McGaugh­ey is a mem­ber of the board of direc­tors of the inter­na­tion­al asso­ci­a­tion of schol­ars work­ing on Her­mann Broch (IAB) and of the edi­to­r­i­al advi­so­ry board of Imag­i­na­tions: Jour­nal of Cross-Cul­tur­al Image Stud­ies.

MICHAEL RODGERS is in the final stages of his PhD under­tak­ing a Niet­zschean analy­sis of Vladimir Nabokov’s writ­ings. He works as a Grad­u­ate Teach­ing Assis­tant at the Uni­ver­si­ty of Strath­clyde and is cur­rent­ly edit­ing a vol­ume on ‘Nabokov and Moral­i­ty’ derived from a con­fer­ence that he orga­nized last year. His arti­cle ‘Loli­ta’s Niet­zschean Moral­i­ty’ was pub­lished in Phi­los­o­phy and Lit­er­a­ture in 2011 and he has anoth­er forth­com­ing on the top­ic of Nabokov’s posthu­mous nov­el The Orig­i­nal of Lau­ra. He is a con­trib­u­tor to The Lit­er­ary Ency­clo­pe­dia, the Slavon­ic and East Euro­pean Review and the Nabokov Online Jour­nal.

ANTONIO VISELLI is a doc­tor­al can­di­date at the Cen­tre for Com­par­a­tive Lit­er­a­ture at the Uni­ver­si­ty of Toron­to. His pri­ma­ry area of inter­est focus­es on musi­cal aes­thet­ics in lit­er­a­ture, name­ly the “fugue” in French Sym­bol­ism and Euro­pean Mod­ernism. Anto­nio com­plet­ed a Mas­ters in Europe enti­tled “Mas­ter Mundus: Cross­ways in Euro­pean Human­i­ties,” with degrees from the Uni­ver­si­ty of Per­pig­nan (France), Berg­amo (Italy) and St. Andrews (Scot­land).

Résumés des articles

Steal­ing or Steel­ing the Image? The failed brand­ing of the Guer­rillero Hero­ico image of Che Gue­vara | Car­oli­na Cambre

Cet arti­cle suit la trace his­torique d’une ten­sion per­sis­tante autour de la pho­to célèbre de Che Gue­vara inti­t­ulée « Guer­rillero Hero­ico » et prise par Alber­to Kor­da. Cette ten­sion prend place entre ceux qui la car­ac­térisent comme une mar­que déposée ou un logo et ceux qui insis­tent sur sa valeur de sym­bole poli­tique et cul­turel non-com­mer­cial. Ces caté­gories s’excluent mutuelle­ment. Sont exam­inés la lutte pour les droits de pro­priété intel­lectuelle de cette image que beau­coup con­sid­èrent comme un sym­bole cul­turel du domaine pub­lic, ain­si que la pos­si­bil­ité que cette image ait per­du sa valeur poli­tique. La per­sis­tance de ce débat sur les sig­ni­fi­ca­tions et les formes de mémoires col­lec­tives qu’on y asso­cie indiquent la pos­si­bil­ité que le proces­sus de marchan­di­s­a­tion peut coex­is­ter avec celui de rad­i­cal­i­sa­tion en ce qui la con­cerne. Cet arti­cle fait ressor­tir le prob­lème de la var­iété des emplois d’une image et de ses dérivés, en même temps qu’il souligne les ambiguïtés autour des con­cepts de créa­tion et de pater­nité en util­isant des études sur la con­som­ma­tion. Ayant éval­ué le rôle de cette image à l’intérieur des fron­tières de Cuba, son emploi par les cubains à l’extérieur du pays, ain­si que ses emplois com­mer­cial et non-com­mer­cial par les autres, je con­clus que la com­mer­cial­i­sa­tion de cette image est vouée à l’échec et qu’il est inutile de rechercher les droits de pro­priété intellectuelle.

Por­traits d’un imag­i­naire de l’avant-garde : le Car­ré noir sur fond blanc de Kaz­imir Male­vitch et ses réin­car­na­tions artis­tiques | Geneviève Cloutier

Le Car­ré noir sur fond blanc de Kaz­imir Male­vitch (1915) est l’un des tableaux les plus « récupérés » dans l’histoire récente de l’art. Avec plus ou moins de bon­heur selon les cas, avec respect ou ironie, les artistes de divers hori­zons l’ont allè­gre­ment copié, par­o­dié, détourné, recy­clé. En Russie, l’ampleur du phénomène est telle depuis les quelque trente dernières années que, de l’art con­tem­po­rain russe, on a pu dire qu’il était non pas un art après Male­vitch, mais un art sur Male­vitch. Dans cet arti­cle, qui prend la forme d’un par­cours à tra­vers la longue et tumultueuse his­toire du Car­ré noir et de ses mul­ti­ples « réin­car­na­tions » artis­tiques, je m’intéresse à ce que ces pra­tiques de récupéra­tion vien­nent nous dire sur l’attitude des artistes à l’égard du Car­ré noir lui-même, mais aus­si, et peut-être surtout, sur leur rela­tion avec une avant-garde à l’héritage con­tro­ver­sé dont ce tableau est devenu l’icône.

Trau­ma Nar­ra­tives, Mixed Media, and the Med­i­ta­tion on the Invis­i­ble | Christof Decker

Cet arti­cle exam­ine le rap­port entre l’histoire du réc­it de l’expérience trau­ma­tique et le développe­ment des représen­ta­tions médi­a­tiques. À par­tir de la fin du 19eme siè­cle, les cul­tures de la moder­nité ont été for­cées de représen­ter l’expérience trau­ma­tique de la destruc­tion et de la guerre, puis d’y réfléchir. À tra­vers cette réflex­ion, l’invisibilité ou le non-représentabil­ité des inci­dents trau­ma­tiques est devenu un thème récur­rent dont je sug­gère ici le rap­port par­ti­c­uli­er à l’hybridité sémi­o­tique et celle nar­ra­tive du suiv­ant la sug­ges­tion de W.J.T. Mitchell que tous les médias sont mul­ti­mé­di­a­tiques. Plus pré­cisé­ment, je veux démon­tr­er que, tra­di­tion­nelle­ment, on a invo­qué la présen­ta­tion explicite ou ouverte­ment mul­ti­mé­di­a­tique comme un trope de réflex­iv­ité et comme une façon d’exprimer les dif­fi­cultés qu’on ren­con­tre en essayant de représen­ter l’expérience trau­ma­tique. Je com­mence mon étude avec des exem­ples du mod­ernisme améri­cain pour en arriv­er à des exem­ples plus récents de l’hybridité mul­ti­mé­di­a­tique en com­bi­nant les médias ana­logues et numériques.

Per­cep­tions of Jew­ish female bod­ies through Gus­tav Klimt and Peter Altenberg | Susanne Kelley

Gus­tav Klimt et Peter Altenberg sont deux per­son­nal­ités vien­nois­es de la cul­ture fin-de-siè­cle dont l’art peut offrir des indices quant à la per­cep­tion de la cul­ture juive à tra­vers leur représen­ta­tion du corps de la femme non-européenne. Tous deux ont réus­si involon­taire­ment à représen­ter et à inter­préter leur pro­pre cul­ture en se con­cen­trant sur des cul­tures non-européennes à cer­tains moments de leur car­rière. Cette sélec­tion des plus célèbres œuvres de ces deux artistes four­nit deux mod­èles d’interprétation de la judéité vien­noise à tra­vers la représen­ta­tion de corps de femmes asi­a­tiques et africaines.

(E)merging Dis­cours­es: Archi­tec­ture and Cul­tur­al Stud­ies | Sarah McGaughey

Trois œuvres récentes : « Pet­ty » par Ros­alind Galt, « Sec­ond Skin » par Anne Cheng, et « On the Ruins of Babel » par Daniel Pur­dy intè­grent l’histoire archi­tec­turale et le dis­cours archi­tec­tur­al d’une façon inno­va­trice à des domaines qui vont des études filmiques aux études sur les gen­res, aux études raciales à l’histoire des idées. Regrouper les trois œuvres dans un arti­cle, per­met d’examiner la manière selon laque­lle chaque auteur emploie l’architecture, ain­si que de faire ressor­tir les avan­tages et les défis d’incorporer l’architecture dans le domaine des études cul­turelles. Cet arti­cle éval­ue les con­tri­bu­tions de chaque œuvre à son domaine respec­tif, mais il prof­ite aus­si de la var­iété d’approches de la cul­ture et de l’architecture pour explor­er la pos­si­bil­ité que ces rap­ports inter­dis­ci­plinaires puis­sent con­tin­uer à ouvrir la voie à des formes de recherch­es novatrices.

Rela­tion­ships of Own­er­ship: Art and Theft in Bob Dylan’s 1960s’ Tril­o­gy | Michael Rodgers

L’œuvre de Bob Dylan con­tin­ue être sujet à l’appropriation et au pil­lage. Cet arti­cle éval­ue, prin­ci­pale­ment, trois chan­sons qui font par­tie de la trilo­gie d’albums parue pen­dant les années 60 – She Belongs To Me de l’album Bring­ing It All Back Home (1965), Visions of Johan­na de Blonde on Blonde (1966), et Des­o­la­tion Row de High­way 61 Revis­it­ed (1965). Je cherche soutenir qu’à tra­vers ces chan­sons Dylan pro­pose des nou­veaux prob­lèmes quant à l’interrelation entre l’art, le vol et la pro­priété. Mon argu­ment est que, à l’instar de l’artiste urbain Banksy, Dylan joue avec les images cul­turelles et se les appro­pries en même temps qu’il les met à l’épreuve afin de met­tre en doute le con­cept de pro­priété. À tra­vers ses œuvres, Dylan récupère ces images à par­tir de leur mar­gin­al­ité, pour les replac­er dans un espace publique.

In Pos­ses­sion of a Stolen Weapon: From John Gay’s Macheath to Rubén Blades’ Pedro Nava­ja | Anto­nio Viselli

Cet arti­cle exam­ine la chan­son sal­sa culte « Pedro Nava­ja » de l’artiste panaméen Rubén Blades en regard de mon­tr­er l’importance de la nar­ra­tion à l’intérieur d’un genre par­ti­c­uli­er à la danse, et en util­isant la théorie de l’adaptation de Lin­da Hutcheon et la méthodolo­gie sémi­o­tique brechti­enne com­bi­nant le Ges­tus avec les théories du signe. « Pedro Nava­ja » est une réécri­t­ure de la chan­son « Mack the Knife » (« Die Mori­tat von Mack­ie Mess­er »); elle utilise les élé­ments de la chan­son de Kurt Weill pour créer une sorte de mise en abyme. Elle con­tient aus­si des élé­ments des chan­sons « The Beggar’s Opera » par John Gay et « The Three­pen­ny Opera » par Bertolt Brecht. L’article éval­ue les nom­breuses adap­ta­tions du ban­dit de grand chemin, Macheath, suiv­ant son util­i­sa­tion chez Gay, et exam­ine l’éthique de l’adaptation d’un per­son­nage, d’une his­toire ou d’un genre, en même temps qu’il effectue une lec­ture détail­lé de « Pedro Nava­ja » comme une chan­son sal­sa intel­lectuelle et nar­ra­tive. Au bout du compte Blades décide de ressus­citer le pro­tag­o­niste éponyme qu’il avait tué à la fin de la chan­son orig­i­nale lorsqu’il trou­ve exas­pérant ce que les autres font de Pedro Nava­ja dans leurs adap­ta­tions. Il le fait pour repren­dre les droits de pro­priété sur sa créa­tion. Cet arti­cle se con­cen­tre sur la réap­pari­tion diachronique d’un per­son­nage type, sur la sig­ni­fi­ca­tion de la jux­ta­po­si­tion de con­jonc­tures his­toriques spé­ci­fiques et sur la vio­lence quant à l’adaptation et à la pro­priété en posant des ques­tions théoriques, y com­pris celle de ce qui con­stitue une adap­ta­tion et la ques­tion des façons dont celle-ci doit être lue.

À propos des contributeurs

Artiste invitée

TANYA URY (* 1951 à Lon­dres) est une artiste et écrivaine bri­tan­no-ger­manique. Elle a étudié les beaux-arts au Exeter Col­lege of Art and Design de 1985 à 1988, et a com­plété un semes­tre en 1989 à l’Institute for The­atre, Film and Tele­vi­sion Stud­ies de l’Université de Cologne. Elle a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l’University of Read­ing en 1990, puis a occupé un poste de maître de con­férence invité à la Sheffield Hal­lam Uni­ver­si­ty de 1991 à 1992, grâce au Col­in Walk­er Fel­low­ship in Fine Arts. Depuis 2010, elle est can­di­date au doc­tor­at en Human­i­ties au Lei­den Uni­ver­si­ty Insti­tute for Cul­tur­al Dis­ci­plines, sous la super­vi­sion du pro­fesseur Ernst J. van Alphen. Tanya Ury vit à Cologne, en Alle­magne, depuis 1993. La plu­part des mem­bres de sa famille ont vécu en ce lieu avant de devoir s’exiler à Lon­dres en rai­son de leur orig­ine juive. En tant qu’écrivaine et activiste, de même qu’avec ses pho­togra­phies, ses instal­la­tions, et ses per­for­mances sur vidéo, Tanya Ury se con­fronte aux ques­tions de l’identité judéo-ger­manique, au traite­ment par l’Allemagne de son passé his­torique, au rôle sub­al­terne joué par les femmes en regard de l’immigration et du racisme. La pros­ti­tu­tion, le voyeurisme, et l’Holocauste sont égale­ment abor­dés dans un grand nom­bre de ses œuvres. http://​tanyau​ry​.com

Auteurs

CAROLINA CAMBRE est tit­u­laire d’un doc­tor­at en en édu­ca­tion, avec spé­cial­i­sa­tion en poli­tiques de l’enseignement de l’Université d’Alberta avec une thèse inti­t­ulée « The Pol­i­tics of the Face: Man­i­fes­ta­tions of Che Guevara’s Image and its Ren­der­ings, Prog­e­ny, and Agency ». Actuelle­ment, elle enseigne des cours de médias et de pub­lic­ité au départe­ment de soci­olo­gie de l’Université de West­ern Ontario.

GENEVIÈVE CLOUTIER Tit­u­laire d’un doc­tor­at en études slaves et lit­téra­ture com­parée et auteure d’une thèse sur la « ter­reur de l’histoire » dans l’avant-garde russe, Geneviève Clouti­er est présen­te­ment sta­giaire post-doc­tor­ale au cen­tre de recherche Figu­ra de l’UQAM, où elle s’intéresse aux résur­gences de l’avant-garde dans la cul­ture contemporaine.

CHRISTOF DECKER est pro­fesseur agrégé d’études améri­caines et médi­a­tiques à l’Université de Munich (Lud­wig - Max­i­m­il­ians - Uni­ver­sität München) où il enseigne dans le cadre du départe­ment d’études anglais­es et améri­caines. Tit­u­laire d’un doc­tor­at de l’Université libre de Berlin (1994) et mem­bre hon­ori­fique à l’Université du Wis­con­sin-Madi­son, il est auteur de nom­breuses pub­li­ca­tions sur le ciné­ma doc­u­men­taire, sur le ciné­ma hol­ly­woo­d­i­en, sur le film d’avant-garde, et sur l’histoire des médias de masse. Récem­ment, il a fait la con­tri­bu­tion d’un chapitre sur le film améri­cain dans le livre « Visuelle Kul­turen der USA/Visual Cul­tures of the USA » (2010), qu’il a égale­ment édité.

SUSANNE KELLEY est maître de con­férences en alle­mand à L’université Ken­ne­saw State. Elle est tit­u­laire d’un doc­tor­at de l’Université de Cal­i­fornie Los Ange­les. Ses pub­li­ca­tions se con­cen­trent sur le rôle du Vienne des années 1900 dans les straté­gies con­tem­po­raines d’autopromotion, ain­si que sur le thème du voy­age dans la lit­téra­ture alle­mande d’après la Réu­ni­fi­ca­tions. Actuelle­ment elle mène des recherch­es sur mod­ernisme dans la cul­ture vien­noise, les arts visuels de la fin de siè­cle, la lit­téra­ture de tourisme et de voy­age, ain­si que l’orientalisme dans la lit­téra­ture et dans les arts visuels.

SARAH MCGAUGHEY est maître de con­férences dans le Départe­ment d’allemand  à Dick­in­son Col­lege à Carlisle, en Penn­syl­vanie. Elle est en train de ter­min­er un man­u­scrit ayant le titre pro­vi­soire de « Orna­ment as Cri­sis: Archi­tec­ture, Design, and Moder­ni­ty in Her­mann Broch's Die Schlafwan­dler ». Ses recherch­es se con­cen­trent sur l’intersection entre la lit­téra­ture, la théorie spa­tiale, et que la théorie archi­tec­turale. Ses pub­li­ca­tions vont de la mode et de l’ameublement au con­cept du style et à l’architecture dans les pre­mières œuvres de Broch. Son prochain pro­jet traite des intérieurs archi­tec­turaux dans le cadre du mod­ernisme. Sarah McGaugh­ey est mem­bre du con­seil d’administration de l’association inter­na­tionale des spé­cial­istes de Her­mann Broch, ain­si que du comité sci­en­tifique d’Imag­i­na­tions : revue d’études inter­cul­turelles de l’image.

MICHAEL RODGERS est sur le point d’obtenir son doc­tor­at avec une analyse niet­zschéenne des œuvres de Vladimir Nabokov. Il occupe un poste d’auxiliaire d’enseignement à l’Université de Strath­clyde, où il édite actuelle­ment un vol­ume dérivé d’un col­loque qu’il a organ­isé l’année passée et qui por­tait de « Nabokov et la moral­ité ». Il a pub­lié un arti­cle inti­t­ulé Lolita’s Niet­zschean Moral­i­ty dans Phi­los­o­phy and Lit­er­a­ture en 2011, et il attend la pub­li­ca­tion d’un autre texte sur le livre posthume de Nabokov L’original de Lau­ra. Il est con­tribu­teur à The Lit­er­ary Ency­clo­pe­dia, Slavon­ic and East Euro­pean Review et au Nabokov Online Jour­nal.

ANTONIO VISELLI est can­di­dat au doc­tor­at au Cen­tre de la lit­téra­ture com­parée à l’Université de Toron­to. Il s’intéresse prin­ci­pale­ment à l’esthétique musi­cale dans la lit­téra­ture, en par­ti­c­uli­er à la fugue dans le cadre du sym­bol­isme français et du mod­ernisme européen. Son mémoire inti­t­ulée « Mas­ter Mundus: Cross­ways in Euro­pean Human­i­ties » est le résul­tat d’une diplôme con­jointe de l’Université de Per­pig­nan (France), celle de Berg­amo (Ital­ie) et celle de St. Andrews (Ecosse).